La nueva Suspiria

Todos estábamos expectantes y ansiosos porque llegara la nueva película del director de Call me by your name, Luca Guadagnino . Pero esta vez no se trataba de una historia de amor, ambientada en un verano cálido de un pueblo italiano, sino una adaptación de una de las películas de terror más aclamadas y valoradas por la crítica y el público, Suspiria.

La película original, dirigida también por otro italiano, Dario Argento, se estrenó en 1977 y fue una obra que marcó tendencia y añadió nuevas fórmulas a la hora de hacer cine. Su colorida estética y cuidado detalle en la elaboración de su escenografía, hicieron que la cinta permaneciese en nuestras retinas por mucho tiempo y se convirtiera en un clásico del cine de terror.

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Ahora bien, si tu intención es ir al cine para ver un remake fidedigno de la película original, mi consejo es que no la veas. La Suspiria de Luca Guadagnino no tiene nada que ver con la de Dario Argento. El estilo es diferente y la paleta de colores totalmente contraria. Guadagnino ha puesto todo su esfuerzo y dedicación en esta adaptación, la ha hecho suya y nos ha regalado una nueva Supiria.

Es cierto que se trata de una película densa, difícil de llevar si no estás acostumbrado al cine de terror psicológico, pero te atrapa desde el primer plano. La pieza se ambienta en el Berlín dividido de los años setenta, en una escuela de danza contemporánea en la que una bailarina, Patricia (Chloë Grace Moretz), ha desaparecido en extrañas circunstancias. Pasado el suceso, ingresa en la compañía una nueva bailarina americana, Suzy (Dakota Johnson), que tiene un talento prodigioso, capaz de cautivar a la veterana directora de la escuela, Madame Blanc (Tilda Swinton). Poco a poco, Suzy se dará cuenta que la compañía no es un lugar seguro, y que alberga horrores que la inquietan, una fuerza maligna propia de cualquier tipo de brujería.

Suspiria

La cinta es un tsunami de ideas y conceptos, posee lecturas feministas, políticas e incluso psicoanalíticas. Quizás este ha sido el gran fallo de Guadagnino y ha hecho que la opinión del pública se divida en cuanto a la crítica de esta. Pero una cosa está clara, la película no deja indiferente a nadie, posee ese misterio terrorífico que juega con la mente del espectador, escenas de bailes hipnóticas, una inquietante banda sonora y hasta una escena final de gore clásico.

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La película está rodeada de un abstracción singular y llevada de la mano de un halo escalofriante, que hace que el espectador tiemble con su visión. El punto fuerte sin duda, dejando de lado la atrevida y oscura escenografía, es la interpretación femenina de sus protagonistas. Vemos una Dakota Johnson impecable y madura profesionalmente, con cada vez más potencial; una Tilda Swinton que proporciona el componente terrorífico del film y, que se ha atrevido con la interpretación de tres personajes en la misma película, ofreciéndonos una sublime actuación. Y no podía faltar el guiño a la película original, Guadagnino quiso incluir en su versión a la protagonista de la primera Suspiria, Jessica Harper, poniendo el broche de oro y haciendo felices a los amantes de la pieza clásica.

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La Suspiria de Luca Guadagnino pasará a la historia y será parte de un repertorio del cine de terror clásico, el espectador va a pasar miedo y va a admirarla y será un referente como la de Dario Argento porque, ¿por qué tener una obra maestra cuando se pueden tener dos?

The Walt Disney Company, ¿qué te está pasando?

Hablar de Disney, ya no es hablar solamente de películas animadas. Con el paso de los años, la compañía ha ido apoderándose de las grandes productoras de cine del momento, hasta abarcar el conglomerado que hoy en día es: Walt Disney Pictures, Pixar Animation Studios, American Broadcasting Company (ABC), Buena Vista Motion Pictures Group, Lucasfilm, Marvel Entertainment, y la más reciente, 21st Century Fox. Es por tanto, que el término de “películas de Disney” ya no sólo son películas animadas de princesas, sino que también hay superhéroes y guerreros, gente de calle y “gente de galaxia”. Por esa misma razón, la productora primogénita, Walt Disney Studios, está viendo un cambio radical tanto en la forma de contar las historias, como en su contenido. 

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La sociedad ha evolucionado, y por lo que respecta a derechos humanos, a pasos agigantados afortunadamente. Hace unos años, acostumbrábamos a ver princesas que no podían vivir ni tenían sentido sin su príncipe. No obstante, y a partir de los 90 principalmente, empezaron a llegar una nueva generación de princesas mucho más guerreras, y mucho más independientes. De hecho, en el último de sus estrenos, Ralph rompe Internet (Rich Moore y Phil Johnston, Walt Disney Pictures 2018) han querido dejar claro este cambio de forma evidente. Por primera vez en la historia de la compañía, se ha decidido hacer un crossover juntando en el mismo film a todas las Princesas Disney, con un guión pícaro y humorístico en el que Vanellope Von Schweetz, protagonista de la película, no entiende el comportamiento de sus compañeras, incluso riéndose de ellas parodiando sus números musicales. ¿Cómo de bueno es este nivel de autocrítica por parte de la productora?

Además de todas las princesas, Ralph rompe Internet aprovecha para “alardear” de todo lo que es la compañía. Es por esa misma razón por la que podemos encontrar personajes como BuzzLightyear (Toy Story, Pixar Animation Studios 1995), Groot (Guardianes de la Galaxia, Marvel 2014), o Stormtroopers (Star Wars, Lucasfilm 1977). De hecho, incluso en la escena en la que se encuentran todas las Princesas Disney, Vanellope se sorprende porque no logra entender a la princesa Mérida (Brave, Pixar Animation Studios 2012), la única princesa considerada como tal que pertenece a otra productora que no es Walt Disney Pictures.

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Pero el cambio de mentalidad de Disney no sólo lo vemos en las princesas. En sus últimas entregas, la productora está dejando claro que está abierta a mostrar un mundo más real por lo que a las personalidades de sus personajes se refiere. Por ese motivo, podemos encontrar como cada vez más se trata con más normalidad el tema de la homosexualidad en sus películas. De hecho, podemos encontrar personajes abiertamente LGTBI+, como Lefou (Josh Gad) del remake de La Bella y La Bestia (Bill Condon, Walt Disney Pictures 2017). Las críticas por esta interpretación del personaje no tardaron en llegar, pero los directivos de la compañía decidieron obviarlas, e incluso poniendo en duda la orientación sexual de personajes míticos como Terkina (Tarzán, Walt Disney Pictures 1999), Francis (Bichos, Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios 1998 ), El Genio (Aladdín, Walt Disney Pictures 1992) o la más sorprendente de todas, la Princesa Elsa de Arandelle (Frozen, Walt Disney Pictures 2012). De hecho, los rumores para la segunda parte de la película giran alrededor de ésta idea: la primera Princesa Disney homosexual.

No obstante, y como he dicho anteriormente, los cambios no sólo se perciben en el contenido de las historias, sino también en la forma en la que están contadas. La compañía tiene como personaje de referencia a Mickey Mouse, todos sus compañeros, y todas sus princesas. Pero sorprendentemente, no hay expectativas de futuro para la compañía para presentar una nueva princesa a corto plazo. Esto no significa que no vayan a haber películas de las productoras, simplemente es que apuestan por material de éxito seguro, es decir, han puesto de moda los remakes (volver a realizar una película pero adaptándola en su forma y contenido a la actualidad, especialmente en Live Action, es decir, adaptar películas de animación pero en acción real), y las secuelas, es decir, crear grandes sagas de sus películas y no crear un universo para una sola entrega.

Entre los últimos grandes éxitos de la compañía podemos encontrar ejemplos de ambos caminos: tras 14 años, el pasado verano se estrenó la que se considera la película de animación del año, Los Increíbles 2 (Brad Bird, Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios 2018); o el remake de una de las míticas películas de la productora, como es La Bella y La Bestia (Bill Condon, Walt Disney Pictures, 2017).

El éxito y la buena acogida de estos casos, ha hecho que la compañía haga oficial el calendario de sus próximas películas, entre las que podemos encontrar un sinfín de secuelas, como Toy Story 4 (21 de junio de 2019), o Frozen 2 (22 de noviembre de 2019). Aunque los fans de la productora están entusiasmados por los próximos estrenos de remakes más que por las secuelas, y es que Disney ha preparado las películas de acción real de Dumbo (29 de marzo de 2019), Aladdín (24 de mayo de 2019), o El Rey León (19 de julio de 2019). Pero no os asustéis, porque está claro que la compañía también estrenará nuevo contenido, como Artemis Fowl (9 de agosto de 2019), o el nuevo trabajo de la filial estrella de la compañía, Pixar Animation Studios, Onward (6 de marzo de 2020), que además estará protagonizada por Chris Pratt y Tom Holland.

Por tanto, podemos ver que Disney está cambiando. Habrá gente que para bien, otra gente estará disgustada por el nuevo camino de las tramas de sus historias. Lo que está claro es que Disney no se va a cansar de darnos lo que mejor sabe hacer: magia.

El cine y las enfermedades mentales femeninas, ¿éxito seguro?

Reflexionando un poco sobre algunas películas brillantes y el tema que exponen, querido jumpkater, he llegado a la conclusión de que este tipo de filmes son atractivos para la audiencia, la academia y la crítica. Son numerosos los elementos que hacen maravillosos los largometrajes que voy a analizar acto seguido aunque, sin duda, es mucho más interesante la sensación que dejan cuando acabas de verlas: ese nosequé que se cuela en tu mente y en tu corazón, haciéndote reflexionar días y días. Te presentamos algunas de ellas y algunos datos interesantes sobre las enfermedades que tratan.

Girl, interrupted (1999)

Una historia entrañable. Año 1967. Una joven un poco confusa, con muchas dudas acerca de su futuro, que disfruta del sexo de vez en cuando, que no sabe a qué se va a dedicar realmente, que solo sabe que le gusta escribir y que no quiere acabar como su madre. ¿Nada nuevo, verdad? Pues en el año 1967 debería de ser todo un jaleo, porque tras un episodio bastante movidito en el que se unen aspirinas y una botella de vozka, a un médico amigo de la familia no se le ocurre otra cosa que enviarla a un centro de salud mental bajo la excusa  de Trastorno Límite de la Personalidad.

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Lisa Rowe (Angelina Jolie) y Susanna Kaysen (Winnona Ryder).

Dirigida por James Magnold, y basada en las memorias de la propia Susanna kaysen, nos adentra en una etapa bastante turbia de la medicina en general, en la que los personajes, brillantemente interpretados, destacando el papel de Lisa, interpretada por Angelina Jolie, ganadora del Oscar a mejor actriz, nos describen su día a día, los electro-shocks que sufrían, sus inseguridades y, mucho más simbólicamente, una concepción de la amistad bastante férrea. Otros personajes significativos son Toby, amorío fugaz de Susanna, interpretado por Jared Leto, o Whopi Wolberg, que da vida a la Doctora Owens.

Desde el trastorno límite de la personalidad de Susanna, hasta la anorexia de Janet (Angela Bettis), las mentiras compulsivas de Georgina Tuskin (Clea DuVall), o Polly (Elisabeth Moss), quien sufre de quemaduras en la mitad de su cara y vive en Oz continuamente, además de Deisy (Brittany Murphy), que es abusada sexualmente por su propio padre, Cynthia (Jillian Armenante), que es lesbiana y tiene problemas mentales significativos, y la genial Lisa, ingresada durante ocho años por comportamientos sociópatas… Son muchos los trastornos que normaliza el discurso de la película, pues estas chicas no solo padecen una enfermedad: primero son adolescentes que buscan encajar y, después, tienen algún cable fundido. No obstante, lo genial de la película es que estas chicas son presentadas primero como “locas de manicomio” y, después, descubrimos junto con Susanna que son mucho más que eso. Tampoco te extrañarán sus problemas mentales: su vida es el aval necesario para volverse loco de remate.

¿Referencias, por favor?

Parece interesante el vestuario elegido para Susanna, que recuerda, en ocasiones, a iconos del cine y la moda en general: ¿casualidad o guiño?.

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En la derecha: Mia Wallace (Uma Thurman) de “Pulp Fiction” (Tarantino, 1994), y Coco Chanel.

¿No veis mucho amarillo aquí?

Si bien la protagonista de la película es Winona, Angelina Jolie eclipsa la acción en todos los momentos en los que aparece, con un toque, pero llamativo, de color amarillo.

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Elaboración propia.

A dangerous method (2010)

Si pones en Google “a dangerous method premios”, salen por lo menos 30, incluidos el Oscar y el Globo de Oro a mejor actriz. Y es que en esta película Keira Knightley demuestra de qué madera está hecha. Una recomendación, jumpkaters: obligatoria la versión original, gracias.

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Sabina Spielrein (Keyra Knightley) y Gustav Jung (Michael Fassbender).

Keira Knightley da vida a Sabina Spielrein, una rusa de ascendencia judía muy inteligente que presenta un cuadro médico de lo que en ese momento era conocido como histeria femenina. Una mentalidad sexualmente reprimida, perfectamente acorde con los escritos de Freud, y muy en línea con los estudios de Gustav Jung (Michael Fassbender), hacía de esta mujer el perfecto ejemplo para tratar y ahondar en su caso. Acabó siendo una de las primeras Psicoanalistas de Europa… y el amante de Jung.

Blanco como la leche

Una vez más, los colores asociados a un personaje pueden decirnos mucho acerca de él. En este caso, Sabina siempre o casi siempre (siendo este casi siempre un 99% de las veces), aparece vestida de blanco. Un color que asociamos a la pureza o a la inocencia, ambos valores fuertemente desmentidos por la protagonista. Si bien el profesor Jung maneja entre sus opciones que Sabina puede que sea virgen y por eso no ha dado rienda suelta a sus pensamientos más oscuros, rápidamente descubrimos la libertad sexual que ella se plantea y adonde pueden llevar esos “pensamientos oscuros”.

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La fotografía también es impecable en esta película. Los personajes están iluminados en numerosas ocasiones por la luz natural. El contraste de colores conseguido en las escenas de Sabina es muy agradable a la vista y consiguen que ella sea el centro de atención allí donde va, en consonancia con lo que sucede narrativamente en la película; ella pasa a ser mucho más que una colaboradora de Jung: se convierte en alguien a quien no puede dejar escapar, que tambalea los pilares de su vida y que le hace replantear muchas cosas en su vida sexual.

Black Swan, (2010)

De todos es sabido que los retos que impone ser un bailarín de profesional de ballet clásico son numerosos y que el nivel de exigencia a estas personas es máximo. Lo que todavía no consiguen hacer los expertos es ponerse de acuerdo sobre qué enfermedades o cuadro médico sufre la protagonista de este film, Nina (Natalie Portman). Entre las diferentes opciones se barajan esquizofrenia, Trastorno Psicótico Breve, Trastorno de la Identidad Disociativo (TID), anorexia nerviosa, nuestro ya conocido Trastorno Límite de la Personalidad… entre otras.

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Nina (Natalie Portman)

Dirigida por Darren  Aronovsky, Cisne negro, como se vendió en su versión hispana, nos sumerge en el mundo de la competición, donde años y años de entrenamiento se reúnen en cuatro actos de “El lago de los cisnes”. Demasiada presión para 70 minutos escasos. La bailarina, que vive en Nueva York, se enfrenta a la posibilidad de que le roben su trabajo soñado; posibilidad encarnada en Lily, interpretada por Mila Kunis. Incluso las actrices tuvieron que entrenar para poder parecerse físicamente a las bailarinas profesionales: ellas también se vieron inmersas en la vorágine del ballet y sus interminables ensayos.

La transformación de Nina en el Cisne Negro se hace progresiva, aumentando el ritmo del montaje y de la tensión del filme, paralelamente a las constantes alucinaciones que se suceden y que nos dan pistas de por dónde va evolucionando el personaje protagonista. Desde un cisne blanco y dulce, un poco frígida y sinsabor, que intenta llegar a lo más alto profesionalmente, hasta su final y completa evolución hacia un cisne negro, donde aparece la versión más oscura de sí misma, independiente, rebelde y apasionada.

 

 

Los Goya 2019 se tiñen de inclusivos

Como los niños de San Ildefonso, así han salido Rossy de Palma y Paco León a anunciar, esta mañana de diciembre, los nominados de los Premios Goya 2019. Los candidatos tendrán que esperar a la gala del 2 de febrero en Sevilla – será la segunda vez que la celebración se produzca fuera de Madrid -, para saber si su nombre será el mencionado como ganador de la escultura de cera y bronce del pintor Francisco de Goya.

Rossy de Palma y Paco León, anunciando las nominaciones – Créditos: EFE

A la 33 edición del máximo galardón del cine español, se han presentado 151 películas, de las que más de un tercio son óperas primas. También concurren 16 cintas iberoamericanas, 47 filmes europeos y 32 cortometrajes.

El reino, con su tratamiento de la trama Gürtel, se alza como gran favorita para llevarse la mayoría de los premios en febrero de 2020. Cuenta con 13 nominaciones, solo seguida de cerca por Campeonesla cinta escogida para representar al cine español en los Oscar – , con un total de 11. Tras estos filmes, se encuentran en número de candidaturas, Todos lo saben y Carmen y Lola, con ocho nominaciones, y Quién te cantará, con siete.

Carmen y Lola es, de entre las cintas más destacadas, la única que destaca por ser la ópera prima de su directora, Aratxa Echevarría, nominada en la candidatura de “Mejor dirección novel”. La bilbaína realizó un anuncio con todas las categorías a las que aspira su largometraje, celebrando el gran logro que esto supone, y agredeciendo las felicitaciones que se han sucedido en la red social, donde califican a la obra de “valiente”, de “innovadora”.

Junto a Echevaría, concurren también en la categoría de “Mejor dirección novel”, César y José Esteban Alenda (Sin fin), Celia Rico (Viaje al cuarto de una madre) y Andrea Jaurrieta (Ana de día), a la que tuvimos el placer de entrevistar en el Festival de Cine de Madrid. Tres mujeres en una categoría, en la que el pasado año, Carla Simón se alzó con el galardón, y con películas con protagonistas capaces de alzar la voz, y de hacer frente a temas muy vedados en el mundo del cine hasta hace apenas unos años.

En el mundo del cortometraje, celebramos las candidaturas en ficción y animación, respectivamente, a Soy una tumba y Matria, ambos incluidos en la recopilación de los mejores cortometrajes nacionales de 2018, que publicamos hace una semana.

El Goya de Honor, ya anunciado antes del evento de hoy, caerá en las manos de Narciso ‘Chico’ Ibáñez Salvador, director de ¿Quién puede matar a un niño?, un thriller de terror que estremeció hasta a Don Mancini, creador de Chucky. El honor parece más nuestro que suyo, entonces.

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24ª EDICIÓN DE LOS PREMIOS FORQUÉ

Ya conocemos a los posibles ganadores de la XXIV Edición de los Premios Forqué. Estos premios, que reciben el nombre del director y guionista de cine español José María Forqué, se otorgan a las producciones cinematográficas españolas que demuestren mejores destrezas técnicas y artísticas. El principal objetivo de este galardón es promocionar la industria cinematográfica española e impulsar la figura del productor cinematográfico.

EGEDA es la entidad sin ánimo de lucro que fundó los premios en 1996. Además, los productores que forman parte de dicha asociación son los encargados de votar a las producciones que presumirán de estar en la lista de nominados, y finalmente, tendrán que seleccionar a uno que se alce con el palmarés.

Grandes obras de la cinematografía española lucen este premio entre sus galardones. Sin ir más lejos, la opera prima de Amenábar, Tesis,  se hizo con el premio en su segunda edición. En la VIII Edición, la galardonada fue Los lunes al sol de Fernando León de Aranoa, coincidiendo con el año en el que se sumó una nueva categoría a los premios: la Medalla de Oro, que se entregó al director Pedro Marsó. Icíar Bollaín también tuvo su momento de gloria en estos galardones con su Te doy mis ojos, en la IX Edición. Amenábar repitió en la X Edición ganando el Premio al Mejor Largometraje Cinematográfico con Mar Adentro.

La entrega de premios tendrá lugar el 12 de enero en el Palacio de Congresos de Zaragoza, y será emitido por la 1 de TVE. Pero de momento, para abrir un poco el apetito a nuestros jumpkaters vamos a dejaros la lista de nominados de este año.

MEJOR LARGOMETRAJE DE FICCIÓN O ANIMACIÓN

Campeones

Comedia dramática que luce el sello Fesser y cuenta con el hombre las mil caras, Javier Gutiérrez. El reconocido actor, que ya había trabajado con Javier Fesser en otras ocasiones, interpreta a un entrenador de baloncesto que tendrá que trabajar con un equipo muy especial.  La discapacidad se trata desde un punto de vista mitad cómico mitad tierno, sin caer en el sentimentalismo. Y según nos cuenta el director, los actores suplieron la falta de experiencia con mucho entusiasmo. Lo que muchos no saben es que la película está basada en hechos reales, concretamente, en el  Club Deportivo Aderes de Burjassot, en Valencia, al que retiraron la medalla de oro que ganó en los Juegos de Sidney 2000 al considerar que varios miembros del equipo no tenían “la suficiente deficiencia intelectual”.

Carmen y Lola

Película dramática española de 2018 dirigida por Arantxa Echevarría. Cuenta la historia de dos mujeres gitanas que no quieren seguir los roles impuestos por la etnia en la que viven. Lola pinta graffitis, sueña con ir a la universidad y abre la mente de Carmen. Ambas se adentrarán en una peculiar historia de amor que Echevarría dibuja con mucha ternura sin abandonar el contexto social.

Entre dos aguas

Dirigida por Isaki Lacuesta, cuenta el reencuentro de dos hermanos que acaban de atravesar situaciones difíciles y tratan de encontrarse a sí mismos. Solo lo conseguirán recordando la trágica muerte de su padre. La película fue galardona con la Concha de Oro del Festival de San Sebastián a Mejor Película de 2018 y a este pedazo de galardón se le suman otros dos del Festival Mar de Plata a Mejor Película y Mejor Actor a Israel Gómez Romero.  Algunos la definen como emotiva, ruidosa y viva; para otros, es la combinación perfecta entre documental y ficción.

El reino

Thriller de carácter político sobre la corrupción en España producido por Atresmedia Cine y dirigido por Rodrigo Sorogoyen. En la película, conocemos a un político al más puro estilo español, corrupto, al que le cambia la vida cuando un amigo suyo se involucra también en un caso de corrupción y el protagonista se ve obligado a hacer todo lo posible para ayudar a su amigo. La película ha conseguido diez nominaciones a los premios Feroz, una en el Festival de San Sebastián y otra en el Festival de Toronto. La adrenalina y el juego de espejos entre la realidad y la ficción van a estar presentes a lo largo de toda la película.

LARGOMETRAJES DOCUMENTALES

Apuntes para una película de atracos

Camarón: flamenco y revolución

Desenterrando Sad Hill

El silencio de otros

CORTOMETRAJE CINEMATOGRÁFICO

9 Pasos

Cerdita

Matria

INTERPRETACIÓN MASCULINA

Antonio de la Torre por El reino

Javier Bardem por Todos lo saben

Javier Gutiérrez por Campeones

José Coronado por Tu hijo

INTERPRETACIÓN FEMENINA

Alexandra Jiménez por Las distancias

Bárbara Lennie por Petra

Eva Llorach por Quién te cantará

Penélope Cruz por Todos lo saben

PELÍCULA LATINOAMERICANA DEL AÑO

Las herederas

La noche de 12 años

Roma

Sergio & Serguéi

PREMIO AL CINE Y EDUCACIÓN EN VALORES

Campeones

Carmen y Lola

La enfermedad del domingo