El cine y las enfermedades mentales femeninas, ¿éxito seguro?

Reflexionando un poco sobre algunas películas brillantes y el tema que exponen, querido jumpkater, he llegado a la conclusión de que este tipo de filmes son atractivos para la audiencia, la academia y la crítica. Son numerosos los elementos que hacen maravillosos los largometrajes que voy a analizar acto seguido aunque, sin duda, es mucho más interesante la sensación que dejan cuando acabas de verlas: ese nosequé que se cuela en tu mente y en tu corazón, haciéndote reflexionar días y días. Te presentamos algunas de ellas y algunos datos interesantes sobre las enfermedades que tratan.

Girl, interrupted (1999)

Una historia entrañable. Año 1967. Una joven un poco confusa, con muchas dudas acerca de su futuro, que disfruta del sexo de vez en cuando, que no sabe a qué se va a dedicar realmente, que solo sabe que le gusta escribir y que no quiere acabar como su madre. ¿Nada nuevo, verdad? Pues en el año 1967 debería de ser todo un jaleo, porque tras un episodio bastante movidito en el que se unen aspirinas y una botella de vozka, a un médico amigo de la familia no se le ocurre otra cosa que enviarla a un centro de salud mental bajo la excusa  de Trastorno Límite de la Personalidad.

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Lisa Rowe (Angelina Jolie) y Susanna Kaysen (Winnona Ryder).

Dirigida por James Magnold, y basada en las memorias de la propia Susanna kaysen, nos adentra en una etapa bastante turbia de la medicina en general, en la que los personajes, brillantemente interpretados, destacando el papel de Lisa, interpretada por Angelina Jolie, ganadora del Oscar a mejor actriz, nos describen su día a día, los electro-shocks que sufrían, sus inseguridades y, mucho más simbólicamente, una concepción de la amistad bastante férrea. Otros personajes significativos son Toby, amorío fugaz de Susanna, interpretado por Jared Leto, o Whopi Wolberg, que da vida a la Doctora Owens.

Desde el trastorno límite de la personalidad de Susanna, hasta la anorexia de Janet (Angela Bettis), las mentiras compulsivas de Georgina Tuskin (Clea DuVall), o Polly (Elisabeth Moss), quien sufre de quemaduras en la mitad de su cara y vive en Oz continuamente, además de Deisy (Brittany Murphy), que es abusada sexualmente por su propio padre, Cynthia (Jillian Armenante), que es lesbiana y tiene problemas mentales significativos, y la genial Lisa, ingresada durante ocho años por comportamientos sociópatas… Son muchos los trastornos que normaliza el discurso de la película, pues estas chicas no solo padecen una enfermedad: primero son adolescentes que buscan encajar y, después, tienen algún cable fundido. No obstante, lo genial de la película es que estas chicas son presentadas primero como “locas de manicomio” y, después, descubrimos junto con Susanna que son mucho más que eso. Tampoco te extrañarán sus problemas mentales: su vida es el aval necesario para volverse loco de remate.

¿Referencias, por favor?

Parece interesante el vestuario elegido para Susanna, que recuerda, en ocasiones, a iconos del cine y la moda en general: ¿casualidad o guiño?.

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En la derecha: Mia Wallace (Uma Thurman) de “Pulp Fiction” (Tarantino, 1994), y Coco Chanel.

¿No veis mucho amarillo aquí?

Si bien la protagonista de la película es Winona, Angelina Jolie eclipsa la acción en todos los momentos en los que aparece, con un toque, pero llamativo, de color amarillo.

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Elaboración propia.

A dangerous method (2010)

Si pones en Google “a dangerous method premios”, salen por lo menos 30, incluidos el Oscar y el Globo de Oro a mejor actriz. Y es que en esta película Keira Knightley demuestra de qué madera está hecha. Una recomendación, jumpkaters: obligatoria la versión original, gracias.

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Sabina Spielrein (Keyra Knightley) y Gustav Jung (Michael Fassbender).

Keira Knightley da vida a Sabina Spielrein, una rusa de ascendencia judía muy inteligente que presenta un cuadro médico de lo que en ese momento era conocido como histeria femenina. Una mentalidad sexualmente reprimida, perfectamente acorde con los escritos de Freud, y muy en línea con los estudios de Gustav Jung (Michael Fassbender), hacía de esta mujer el perfecto ejemplo para tratar y ahondar en su caso. Acabó siendo una de las primeras Psicoanalistas de Europa… y el amante de Jung.

Blanco como la leche

Una vez más, los colores asociados a un personaje pueden decirnos mucho acerca de él. En este caso, Sabina siempre o casi siempre (siendo este casi siempre un 99% de las veces), aparece vestida de blanco. Un color que asociamos a la pureza o a la inocencia, ambos valores fuertemente desmentidos por la protagonista. Si bien el profesor Jung maneja entre sus opciones que Sabina puede que sea virgen y por eso no ha dado rienda suelta a sus pensamientos más oscuros, rápidamente descubrimos la libertad sexual que ella se plantea y adonde pueden llevar esos “pensamientos oscuros”.

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La fotografía también es impecable en esta película. Los personajes están iluminados en numerosas ocasiones por la luz natural. El contraste de colores conseguido en las escenas de Sabina es muy agradable a la vista y consiguen que ella sea el centro de atención allí donde va, en consonancia con lo que sucede narrativamente en la película; ella pasa a ser mucho más que una colaboradora de Jung: se convierte en alguien a quien no puede dejar escapar, que tambalea los pilares de su vida y que le hace replantear muchas cosas en su vida sexual.

Black Swan, (2010)

De todos es sabido que los retos que impone ser un bailarín de profesional de ballet clásico son numerosos y que el nivel de exigencia a estas personas es máximo. Lo que todavía no consiguen hacer los expertos es ponerse de acuerdo sobre qué enfermedades o cuadro médico sufre la protagonista de este film, Nina (Natalie Portman). Entre las diferentes opciones se barajan esquizofrenia, Trastorno Psicótico Breve, Trastorno de la Identidad Disociativo (TID), anorexia nerviosa, nuestro ya conocido Trastorno Límite de la Personalidad… entre otras.

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Nina (Natalie Portman)

Dirigida por Darren  Aronovsky, Cisne negro, como se vendió en su versión hispana, nos sumerge en el mundo de la competición, donde años y años de entrenamiento se reúnen en cuatro actos de “El lago de los cisnes”. Demasiada presión para 70 minutos escasos. La bailarina, que vive en Nueva York, se enfrenta a la posibilidad de que le roben su trabajo soñado; posibilidad encarnada en Lily, interpretada por Mila Kunis. Incluso las actrices tuvieron que entrenar para poder parecerse físicamente a las bailarinas profesionales: ellas también se vieron inmersas en la vorágine del ballet y sus interminables ensayos.

La transformación de Nina en el Cisne Negro se hace progresiva, aumentando el ritmo del montaje y de la tensión del filme, paralelamente a las constantes alucinaciones que se suceden y que nos dan pistas de por dónde va evolucionando el personaje protagonista. Desde un cisne blanco y dulce, un poco frígida y sinsabor, que intenta llegar a lo más alto profesionalmente, hasta su final y completa evolución hacia un cisne negro, donde aparece la versión más oscura de sí misma, independiente, rebelde y apasionada.

 

 

‘CAMPO ATRÁS’, UNA HISTORIA NOSTÁLGICA QUE NARRA EL PASO DEL PUEBLO A LA CIUDAD

El equipo de “Campo Atrás”

Andrea Álvarez y Julu Martínez nos contaron los detalles de su TFG 

El pasado 17 de noviembre asistimos al estreno del TFG de Andrea Álvarez y Julu Martínez en el Centro Cultural Casa de Vacas. El cortometraje del tándem dura aproximadamente 27 minutos. 27 minutos de nostalgia y una cierta retrospectiva hacia el pasado, donde los personajes se enfrentan a decisiones que marcarán, sin duda, el futuro de sus vidas.

El problema que se plantea en el corto es fácilmente reconocible para muchísimas personas. En la actualidad, la gente joven que vive en un pueblo o en una ciudad pequeña no se lo piensa dos veces: salir rumbo a la gran ciudad es un hecho irrevocable. Pero no hace tanto tiempo los jóvenes tenían muchos más reparos a la hora de salir del cascarón.

Podríamos decir que este es el punto de partida del corto: se acaba la etapa del instituto y tengo que ver qué voy a hacer con mi vida. Pero no solo. La búsqueda de uno mismo en el terreno de la sexualidad está presente durante todo el proceso. El protagonista, Cesar, interpretado por Alberto Córdoba, se siente atraído por uno de sus amigos de infancia, pero realmente no sabe qué siente. Es una búsqueda de sí mismo, en un proceso por el que todos pasamos en esa famosa etapa de la vida conocida como adolescencia. Supone el paso de la adolescencia a la madurez. Además, Elena, la madre de César -Raquel Martínez en la vida real-,  también experimenta el proceso de encontrarse a sí misma después de la viudez. Un personaje entrañable que vive en la nostalgia de tiempos pasados. Por su parte, Bárbara,  la hija mayor de la familia, interpretada por María del Barrio, regresa al pueblo un fin de semana para dar una grata sorpresa a todos. 

Querido jumpkater, no te contaremos mucho más de la trama con la esperanza de que puedas verlo  muy pronto proyectado en algún festival, pero sí que hablaremos un poquito de la estética que representa.

Que viva lo vintage

La primer pregunta que decidimos hacerles fue acerca de la iluminación escogida. Nos explicaron que las decisiones de iluminación las determinaron el director de fotografía, Antonio Sanz, y Julu, parte creativa del proyecto. Para acercar visualmente la trama al espectador, ambientada en los años 2000, decidieron usar un filtro, el Pro Mist, que difumina las sombras y que satura bastante los colores, buscando retratar un ambiente nostálgico, que “alertase” al espectador de la época tratada. El aspect ratio también es curioso. La imagen está grabada en 4/3, precisamente porque en los 2000 se hacían las cosas con ese formato. Es, sin dudarlo, un guiño a la época, a la imagen tomada en esos años y a los valores que entonces se entendían.  En efecto, existe una coherencia entre todas las decisiones de producción, que refuerzan la idea plasmada en los diálogos: es una misma idea narrativa y audiovisual; fondo y forma confluyen.

Un TFG tirando al mediometraje

Jugando con el límite universitario, los creadores optaron por el riesgo de hacer un cortometraje bastante largo, 27 minutos más o menos, con todo lo que ello supone. En otras palabras, cuantas más horas grabes, más horas hay de postproducción después y más posibilidades hay de cometer errores. Añadido, todo ello, al estrés que supone un TFG cualquiera. En base a esto, nos comentaron que no habían tenido que variar mucho el guión original para adaptarlo a los límites universitarios; solo tuvieron que acortar algunas escenas, precisamente para no pasarse del máximo permitido por la universidad: 25 minutos. Parece que esos 27 minutos fueron permitidos, por suerte para todos.

Os confesamos que nuestra escena favorita tiene lugar cuando el joven protagonista masculino y su compañero de clase, sin tener clara su sexualidad ni lo que sienten realmente, se besan bajo un Toro de Osborne. Es el futuro frente al pasado. El avance generacional frente a lo obsoleto. La vanguardia frente a lo tradicional. Es una escena de contrastes.

Para finalizar el círculo perfecto, creado entre lo técnico y lo ligado a la historia, ofrecieron por el precio de dos euros, una carátula de VHS del corto, con un link a Vimeo y dos postales. Julu y Andrea, demostraron mejor que nadie, que todas las piezas cuentan.

 

Ana de día llega hoy a los cines

La Ópera Prima de Andrea Jaurrieta obtuvo el Premio de la Critica y el de Mejor Sonido en el Festival de Cine de Madrid

“Ana de día”, el primer largometraje de Andrea Jaurrieta, se proyectó el pasado 2 de octubre en el Festival de Cine de Madrid y ha conseguido alzarse con dos galardones: mejor sonido y el premio de la crítica. La entrega de galardones tuvo lugar el pasado 21 de octubre en la Sala Berlanga, donde a través de una gran diversidad de categorías se pretendía realzar la figura de los realizadores emergentes, en una edición donde no solo han participado mujeres, sino también hombres. Te acercamos nuestras impresiones sobre la ópera prima de la directora, quien nos ha contado además, la dificultad del salto del corto al largo.

En el film, Ingrid García-Jonsson interpreta a Ana, una joven con un futuro prometedor que, tras descubrir que tiene una doble, abandona su antigua vida y empieza un intrincado viaje para redescubrirse a sí misma. Aunque más que encontrarse, lo único que hace es embarcarse en una aventura de difícil regreso.

La película es una película bonita, pero no es por la historia que cuenta. Es bonita de ver. La paleta de colores está elegida con sumo cuidado. Los colores se alternan estratégicamente, creando ambientes muy conseguidos, que ayudan a poner en contexto una película dirigida a un espectador reflexivo. Las diferencias entre la vida de Ana y la vida de Nina son evidentes hasta en este aspecto, pasando de unos tonos pastelosos y blanquecinos a escenas oscuras y con mucha más viveza, con tonos rojos y negros.

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Ana antes de cambiar de look.
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La actriz que le da vida es Ingrid García-Jonsson
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Tendrás que descubrir quién es Marcelo

Los encuadres son originales. Los planos justos y justificados. Algún que otro jump cut, que busca sorprender al espectador a lo largo del film. El cambio de look de la protagonista está bien hecho. No solo cambia el personaje, también su apariencia, su estilo y su personalidad. En línea con lo dicho sobre los colores, Ana ha vivido siempre en un mundo de tonos pastel, bien vistos, aceptados por todos por la luz que transmiten. Pero Nina es fuerza, agresividad, pasión, valentía. Es puro rojo, como su pelo. Ana de día, como todas las producciones de Andrea Jaurrieta, tiene una estética muy cuidada y particular.

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Una Ana madrileña

En cuanto a las localizaciones, si has paseado más de una vez por el centro de la capital, reconocerás inmediatamente los espacios elegidos. Desde la famosa Sala Equis, en la calle Duque de Alba, hasta la Calle de la Ruda o la Plaza General Vara del Rey, donde cada domingo se pone el rastro. Las luces fugaces de la Gran Vía acercan esta historia a un Madrid oscuro, desconocido para la gente como Ana.

¿A qué te vas a enfrentar como espectador?

A una tensión constante y complaciente, que la directora consigue mantener a lo largo de todo el film. Todos queremos saber qué pasa con Nina, qué hará con su vida. Saber quién es Marcelo (Álvaro Ogalla) y qué oculta. Por qué Sole (Mona Martínez) quiere y necesita tanto a Nina… Son cuestiones que van surgiendo conforme se desarrolla la película y que te mantienen alerta, esperando a que explote la trama como si de una siesta se tratase. La presión se siente básicamente porque no sabes en qué momento Ana explicará qué va a hacer con su vida.

¿Y el final?

Abierto. No esperado. ¿Qué sucede con Nina? ¿Volverá a ser Ana algún día?

 

 

 

 

 

 

Te mostramos los colores de las películas de Halloween

EMMA (2017)

La película de terror de solo 15 segundos que crea seguidores allá donde va. Su autor, Daniel Limmer, participó en el concurso de Cine Internacional 15 Second Horror Film Challenge. 

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Los colores se mueven en un espectro bastante apagado, otoñal, diríamos que bastante alejado de la herida de Emma, para dar más énfasis a este genial plot twist, que no deja indiferente a nadie.

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THE ROCKY HORROR PICTURE SHOW (1978)

Jim Sharman nos adentra en el excéntrico mundo de un loco, el  Doctor Frank-N-Furter, dueño de una extraña mansión, quién acoge a una pareja de recién casados que acaba de tener una avería en el coche.

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Nos encontramos ante una paleta amplia, contrastada, que da mucha importancia a los rosas y blancos en toda su gama, para después contrastarlos fuertemente con los colores añadidos al Doctor y su séquito.

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De esta manera, los rojos y negros se suceden, dando un aspecto peculiar y chocante, acorde con la situación: te acabas de casar, estás de viaje, se te rompe el coche y, casualmente, vas a dar a la casa de un loco. La paleta de colores no podía ser plana, tenía muchas cosas que expresar: una tonalidad variopinta cuanto menos.

POSSUM (2018)

Dirigida por el británico Matthew Holness, el terror que asume esta ópera prima es psicológico, donde un marionetista infantil,  interpretado por Sean Harris, se ve obligado a volver a su hogar de la infancia. Allí se rencuentra con su padrastro, el hombre inquietante que le ha torturado toda su vida.

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En este caso, la obra oscila entre tonos ocres y grisáceos, propios de la vida del desgraciado ventrilocuo.

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La vida del protagonista aparece reflejada bastante lúgubre y sinsabor, apagada y vacía, preparada para llenarse de oscuras sensaciones.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO? (1976)

Los clásicos nunca pueden faltar, y este tiene sabor español. Claro ejemplo de inspiración para otros directores de cine, Narciso ibáñez Serrador. “Siempre, estas películas, son tenebrosas, con mucha sombra,  y los malos son muy feos, o muy monstruosos… Entonces  hacer una película a pleno sol y con niños en vez de monstruos me pareció tentador”, explica.

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Como bien explica Chicho, los colores de esta película son muy originales enmarcados en una película de terror, destacando bastante las casas blancas del pueblecito donde desembarcan Tom y Evelyn (Pueblo que en realidad no existía: es una mezcla entre Toledo y Menorca, para las escenas de mar).

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El director de fotografía, Luis Alcaime, consiguió un resultado de luz mediterránea, en la que el sol siempre está presente, pero dejando lugar a escenas oscuras y algo más tenebrosas, como la escena de la iglesia, o de sombra en las calles, pero sin perder el cálido sol de vista.

En fin, ¡échales un vistazo!

EL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO, NOCTURNA, DICE ADIÓS A LA CAPITAL

El pasado sábado 27 de octubre asistimos a la entrega del Palmarés de la VI Edición de Festival de cine Fantástico Nocturna, en Fnac Callao

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Lectura del Palmarés de la VIª Edición de Nocturna. FUENTE: Comunicación festival.

Palmarés de la VIª edición del Festival de Cine Fantástico Internacional Nocturna

-Sección oficial. Jurado compuesto por Paco Fox, Jesús Palacios y María Kosty

  • Mejor película: Ghostland (2018), de Pascal Laugier
  • Mejor director: Pascal Laugier, por Ghostland (2018)
  • Premio “Vicent Price” al  mejor actor: Christopher Abbot, por su interpretación en Piercing (2018)
  • Premio “Vicent Price” a la mejor actriz: Brittany Allen, por su interpretación en What keeps you alive (2018)
  • Mención especial de jurado sección oficial: The invocation of enver simaku, de Marco Lledó (2018)
  • Mejor guión: Mirai mi pequeña hermana, de Mamoru Hosoda (2018)
  • Mejores efectos especiales: The Nightshifter, de Dennison Ramalho (2018)

-Sección “Dark visions”. Jurado compuesto por: Eva Baltés, Eduardo zaramella y Quim Crusellas

  • Premio Dark a la mejor película de la sección oficial de Dark Visions: Vuelven, de Issa López (2018)
  • Mención especial del jurado Dark Visions: Sta agatha, de darren Lyn Bousman (2018)

-Premio Blogos de Oro de la Crítica. Jurado compuesto por Ignasi Muñoz (El Palomitrón), Paco Reig Simancas (Última Fila Centrado) y Miguel Ramos (Cine en serio)

  • Premio Blogos de oro de la crítica: What keeps you alive, de Colin Miniham (2018)

-Premios del público

  • Premio del público al mejor largometraje: Mi pequeña hermana, de Mamoru Hosoda (2018)
  • Premio del público a mejor corto internacional: Backhead, de Alberto Corredor (2018)
  • Premio del público a mejor corto nacional: Amancio, un vampiro de pueblo, de Alejo Ibáñez (2018)

Posteriormente, la estrella de la edición, Don Mancini, entró en la sala con un gran vaso de lo que parecía café y procedió a responder las preguntas de los organizadores del festival, así como de sus seguidores más fieles, a los que finalmente firmó sus muñecos y merchandising de Chucky.

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Don Mancini respondiendo a las preguntas de sus fanáticos. FUENTE: Comunicación Festival.
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Sergio Molina y Antonio Busquets, junto a Don Mancini y su traductora. FUENTE: Comunicación Festival.

Una primera idea de Chucky bastante diferente

Como bien contó Don, su primera idea de Chucky era bastante diferente de lo que se plasmó en la pantalla con su primera película: The child’s play (1988). En primer lugar, explicó cómo Chucky no estaba, en un principio, poseído por el fantasma del asesino Charles Lee Ray, sino que era, más bien, la manifestación de la rabia inconsciente que Andy no podía expresar. El personaje de Andy se siente solo, pasa mucho tiempo sin su madre, y acaba refugiándose en lo más cercano que tiene: Chucky. Reconoció, entre risas, que la idea de un muñeco que sangraba la sacó de un muñeco de sus hermanas que hacía pis y que, la idea del vudú fue del director, Tom Holland.

Mancini admitió que gran parte del éxito de la película se debe a la actuación de Brad Dourif, que llegó al rodaje porque Holland  ya le conocía. Confesó que, si bien la idea del actor fue del director, la personalidad real de Chucky -irónico, cruel, mal hablado: “siempre diciendo fuck you…”- es parte de su idea original.

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Brad Dourif en “Child’s play”.

En este sentido, si se ven las siete películas del muñeco diabólico, se observa un aumento progresivo del humor del personaje. Y sí, ha sido adrede. “Sí, Chucky siempre es divertido. Este patrón corresponde también, como digo, a un muñeco que no podía ser solo muy mono y decir ‘que te den’. En The child’s play no se muestra mucho a ese Chucky hasta la segunda mitad de la película. Pero cuando hicimos la secuela, nos dimos cuenta de que tenía que hablar más y de que, por tanto, había que dar más diálogo a Chucky”, señala. Como guionista le interesaba mucho desarrollar al personaje, que no fuera plano y tuviera diferentes vertientes. Esto, en parte lo consiguieron a partir de «Chucky’s bride» (1998), que hizo que conociéramos más sus pensamientos, sus esperanzas, su lado romántico…Chucky mataba, pero también sentía.

Referentes cinematográficos de Don en su veintena

“Cuando escribí el guión, en la mitad de los ochenta, era la era de películas como Halloween, Viernes 13, Michael Myers con Freddy… Así enmarca cinematográficamente Mancini su etapa universitaria, cuando escribió su guión. Explicó que siempre quiso construir un personaje digno de odiar. Si lo piensas bien, Chucky es al mismo tiempo un villano y un antihéroe. Admitió también que siempre le habían gustado las películas de Brian de Palma y que, si bien su saga no se parece, su cine ha heredado ese surrealismo.

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Freddy Krueger, Michael Myers (1988)

El cine y sus musas, Jennifer Tilly y Fiona Dourif

“Fue fantástico trabajar con ellas. Jennifer Tilly, con La novia de Chucky, sencillamente me encantaba. Tenía que tener requisitos muy específicos: la voz tenía que ser muy especial, tenía que decir algo (…) Ni en mis mejores sueños creía que iba a aceptar. Al final dijo que sí (…). Otro aspecto importante es que el personaje iba a ser una asesina letal y, al mismo tiempo, tener un lado romántico. Tiffany tenía que ser muy diferente de Chucky. Jennifer ya ya estaba especializada en estos personajes, en la típica novia del chico malo que, aunque la rechaza continuamente, siempre vuelve y lo ama con locura. Jennifer es muy divertida y muy sexi, lo que la hacía  perfecta para el personaje”

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Jennifer Tilly en “Chucky’s bride”.

“En cuanto a Fiona, la idea de tenerla fue idea primero fue de Brad Dourif. En 1981, en octubre nació Fiona. La vi crecer y trabajar en True blood en HBO. Pensábamos en cómo hacer «La maldicion de Chucky», y le hablé de ella.  Ella vino y, en principio no leyó el papel para hacer de Nica, sino de Bárbara, su hermana mayor. Pero su tensión en la mirada la hacía fantástica para Nica. Veía que era capaz de transmitir un dolor interno con su mirada. Cuando la ví en silla de ruedas se veía muy natural. Y pensé, ¿Sería una buena idea tener a la hija de Brad en la película? Después de su papel como Nica, hice el guión del Cult of Chucky (2017) directamente para ella”.

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Fiona Adourif hablando de “Cult of Chucky”.

Reinventarse o morir: ¡la serie televisiva de Chucky!

Cualquiera que lo diga, llevaría razón. Mancini es un one-hit wonder.

No obstante, parte del éxito del muñeco diabólico radica en que en los años 80 los niños aún jugaban con muñecos. Una pregunta muy bien traída por un fanático desveló, en palabras del propio Mancini, que “por ahí van los tiros”. La serie de Chucky es contemporánea, pero se pretende volver a la idea original del título: Child’s play. Es sencillo: ¿Con qué vienen los niños debajo del brazo? Con un dispositivo móvil, una tableta, un PC…en la actualidad, la metáfora de un muñeco no tendría sentido.

Don, ¿Cuál es tu favorita?

Chucky’s Bride y Seed of chucky. Estas dos películas destacan para el director porque, según explica, en La novia de Chucky, conoció a Jennifer Tilly  y a Fiona Dourif, grandes amigas a raíz del rodaje. Pero, por otro lado, añade que estas dos películas son todo un éxito. La novia de Chucky es una reinvención de Chucky como comedia que funcionó muy bien. La maldición de Chucky también es una reinvención de la franquicia: la vuelta al horror más puro. Estas vueltas de tuerca a la historia supusieron un antes y un después de la saga, propiciándola al éxito y evitando que el público se aburriera. No obstante, esta visión del director difiere bastante de la opinión popular: “Justamente, cuando hablo con los fans, me dicen que su favorita es Child’s play 2  (1990), cuyo trabajo del director es clave y cuya representación del muñeco en pantalla es la mejor”.

John Waters y su semilla

El camino para llegar a John Waters para Seed of chucky, 2004, (La semilla de Chucky en español) fue bastante sencillo. 1) Mancini es fan de sus películas. 2) Éste se enteró por Justin Whalin, el actor de Andy, de que Waters era muy fan de las películas de Mancini. Como él mismo dice: “Leyendo una entrevista sobre él descubrí que su película favorita de los 90’ era Chucky’s Bride. Así que tenía que escribir un papel para él”. Sencillo, ¿No?.